Medidas a utilizar para dibujar un rostro

Para dibujar un rostro de frente se pueden utilizar varias técnicas, unas más complicadas que otras. Pero aquí les mostraré la más sencilla y la más común.

Antes de empezar a dibujar debemos tener claro los lápices que vallamos a utilizar. Ya que de esto dependerá cuan sombreado estará nuestro dibujo y también de las tonalidades que este pueda presentar. Para la realización de este dibujo les recomiendo utilizar lápiz de grafito HB, 2B, 4B, 6B y 8B. Donde utilizaremos el lápiz HB para dibujar y los restantes para sombrear.

Primer paso para dibujar un rostro: Circulo

Para empezar a dibujar un rostro de frente lo primero que dibujaremos será un círculo del tamaño de la cabeza a dibujar. Esta herramienta nos permite saber el tamaño de la cabeza, donde también se determinará el tamaño del cuerpo (Ver los ejemplos en las imágenes).

Primer paso para dibujar un rostro: Circulo

Cuando marcamos el tamaño de la cabeza automáticamente sabrás el lugar y el espacio que cubrirás tu dibujo. Ya que muchas personas empiezan a dibujar en el lugar no indicado para el dibujo, lo que conlleva a una mala distribución del espacio disponible para el dibujo.

El segundo paso para avanzar con el dibujo será dividir el círculo por partes

Lo siguiente que vamos a hacer es dividir el círculo en 4 partes iguales de forma horizontal. Donde en la primera línea marcamos la frente, en la segunda línea marcamos las cejas y en la tercera línea marcaremos la nariz. El espacio que hay entre las cejas y la nariz se divide en 4 partes, tomando solo la parte superior de esas 4 partes, o sea, la parte que está pegada a las cejas. En ese espacio se dibujarán los ojos. El circulo de va a dividir en 4 partes iguales, pero ahora, de forma vertical. Se debe trazar una línea por el centro, una línea al lado izquierdo y otra al lado derecho las cuales deberán tener la misma distancia. Tanto de los extremos del círculo, como también de la línea trazada en el centro (Ver los ejemplos en las imágenes).

dividir el círculo en 4 partes iguales de forma horizontal.

La línea que divide los ojos y las cejas se debe dividir en 4 parte iguales. Partiendo desde la línea trazada en el centro de forma vertical, hacia los lados, o sea, de cada lado debes tener 2 espacios iguales. Esos 2 espacios lo vas a dividir en 2 cada uno, deberás tomar de referencia las líneas verticales en cada lado y dividir ese espacio entre ellas en 3 partes iguales. De esas 3 partes iguales, la que queda en el centro es el espacio que divide un ojo del otro. Y en los otros 2 espacios restantes, se dibujarán los ojos (Ver los ejemplos en las imágenes).

dividir el círculo por partes

Tercer paso para dibujar un rostro: Marcar Ojos, Boca, Nariz, Cejas y orejas

El espacio que divide cada ojo, ese mismo espacio es el ancho de la nariz. El espacio que existe entre la nariz y el mentón, esta se divide en 2 y justamente en esa línea se dibujará la boca (Ver los ejemplos en las imágenes).

Tercer paso para dibujar un rostro: Marcar Ojos, Boca, Nariz, Cejas y orejas

Para tener conocimiento del ancho de la boca debemos trazar una línea vertical desde el iris de los ojos hasta la línea de la boca. Estos serían los extremos de la boca (tomando en cuenta que esta es una medida estándar, es decir que esta es la medida que se toma como referencia, ya que no todas las personas tienen estas medidas exactas).

Las orejas inician en la línea horizontal que marca las cejas y termina en la línea horizontal que marca la nariz.

Marcar Ojos, Boca, Nariz, Cejas y orejas

Paso 4: Identificar las características del rostro

Ya teniendo estas medidas como base para realizar el rostro, lo siguiente sería darle las características correspondientes al rostro. Ya cuando el rostro esté definido, procedemos a borrar todas las líneas que tomamos como referencia para medir dicho rostro.

Identificar las características del rostro

El 5to Paso para dibujar un rostro es el sombreado

Cuando el dibujo está terminado, luego procedemos a sombrear.

El proceso de sombreado es algo relativamente sencillo, ya que lo estaremos haciendo por capas. Lo primero que se llevará a cabo será rellenar el dibujo completo con una tonalidad suave utilizando el lápiz HB. Las líneas se deben realizar de forma diagonal, sin perder la frecuencia (Ver los ejemplos en las imágenes).

El 5to Paso para dibujar un rostro es el sombreado

Lo siguiente será utilizar el lápiz 2B y aplicar el sombreado donde sea requerido, utilizando el tono anterior del lápiz HB como luz.  Esto lo vas a repetir según sea requerido, por ejemplo,, para oscurecer más una parte puede utilizar el lápiz 4B, 6B y 8B (según sea requerido).

Ojo: estos pasos se deben hacer por capas, es decir, encima del HB debes colocar en 2B y encima del 2B se coloca el 4B y así sucesivamente. No debes aplicar directamente un 2B, 4B, etc, como primera capa, sino que se debe hacer por capas, desde más claro hasta más oscuro.

Si quieres aprender más sobre el dibujo, visita nuestra categoría de cursos talleres y dibujos

10 pasos a seguir para empezar a hacer una escultura

Si estas empezando a hacer una escultura, estos primeros 10 pasos te van a marcar el camino. Te van a marcar todos los temas importantes para empezar por el camino correcto.

Pasos a seguir para aprender a hacer una escultura de forma fácil

1. Elije un personaje existente cuando empieces a hacer una escultura

Elije un personaje existente cuando empieces a hacer una escultura

No inventes un personaje nuevo si estas empezando a modelar, básate en uno que ya exista, que funcione y que ya esté bien realizado.

2. Copia solo para aprender

Copia solo para aprender

El proceso de copiar lo debes utilizar como referencia para aprender de ello, pero ya luego del aprendizaje, debes crear tus propias obras originales.

3. Elije el personaje con asimetrías

Elije el personaje con asimetrías

Esta va de la mano con el paso número uno. Pero cuando elijas ese personaje, elígelo con asimetrías, porque te va a ayudar al principio. Si la figura tiene un ojo más grande que otro, por ejemplo, esto te va a ayudar mucho a que funcione y quede bien. Si elijes algo que sea muy simétrico, muy perfecto, es más difícil crearlo, aunque parezca fácil. Por esto es recomendable que para empezar se debe elegir figuras asimétricas.

4. Elije la figura que tengas texturas o que sea rugoso

Elije la figura que tengas texturas o que sea rugoso

Cuando elijes una figura con textura, lo hace menos complicado a la hora de modelar dicha figura, ya que alisar la figura suele ser algo complicado. Si estás haciendo cosas simétricas y lisas, será muy difícil, si estas empezando.

5. Referencias para empezar a hacer una escultura

Referencias para empezar a hacer una escultura

Debes tomar muchas referencias de la figura que sea que vayas a modelar. Debes tener todos los ángulos posibles de dicha figura, ya que estas creando una pieza en tercera dimensión.

6. Elije el material adecuado

Elije el material adecuado

El material debe ser el adecuado para cada trabajo. Si estas empezando se recomienda plastilina hobby escolar.

7. Estructura para empezar a hacer una escultura

Estructura para empezar a hacer una escultura

Se debe valorar la estructura para realizar tu escultura. Esto dependerá de que personaje hayas elegido. Puede necesites una estructura de metal para soportar el peso. Pero si estas empezando puedes hacer bustos, ya que para estos no se necesitará la estructura.

8. Herramientas

Herramientas

Las herramientas que vayas a utilizar deben ser las correctas para cada proceso. No es necesario tener decenas de herramientas, pero sí las necesaria para realizar un trabajo de buena calidad.

9. No modeles un trabajo y terminarlo sin descansar

No modeles un trabajo y terminarlo sin descansar

Una de las coas más importante de estas 10 recomendaciones. Debes tomar distancia entre tú y la escultura. No modeles sentado, se recomienda hacerlo parado. Cada x tiempo debes mirar la figura desde una distancia de 2 metros aproximadamente. Esto te ayudará a ver errores que no puedes observar de muy cerca. Coloca la figura sobre un soporte que se te sea fácil girar para que puedas tener todos los ángulos posibles.

10. Acaba la figura que empieces

Acaba la figura que empieces

Este punto casi nadie lo menciona, pero es uno de los más importantes. Debes acabar la figura que empezaste hasta el final, debes pintarla, decorarla, en fin, un trabajo totalmente terminado. Porque si la subes a tus redes sociales o alguien la ve y la obra no está terminada, pocas personas se interesarían. Ya que no están viendo un trabajo final, sino un trabajo en proceso. Por esto es muy importante que cuando vayas a mostrar tu figura, ya sea cuando esté terminada.

Si quieres aprender más sobre el modelado de las esculturas, te invitamos a pasar por nuestros cursos talleres, para que sigas enriqueciendo tus conocimientos

Importancia del renacimiento para la historia del arte

El Renacimiento es fundamental para la historia del arte por varias razones clave que transformaron radicalmente la forma en que se concebía y practicaba el arte en Europa y, en última instancia, en todo el mundo occidental. Aquí hay algunas de las razones más importantes por las cuales el Renacimiento es tan relevante en la historia del arte:

historia del arte

1. Resurgimiento de la Antigüedad Clásica: Durante el Renacimiento, hubo un renovado interés en la cultura y el arte de la antigua Grecia y Roma. Los artistas renacentistas estudiaron las obras de la Antigüedad Clásica y adoptaron sus principios de belleza, proporción y armonía. Esto llevó a la creación de un nuevo estilo artístico que buscaba emular y superar los logros de los antiguos.

2. Desarrollo de la Perspectiva Lineal: El Renacimiento marcó el desarrollo y la popularización de la perspectiva lineal en la pintura. Artistas como Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti trabajaron en teorías de perspectiva que permitieron representar el espacio tridimensional en una superficie bidimensional de manera más precisa. Esto revolucionó la representación del espacio y la profundidad en el arte.

3. Individualismo y Retrato: Durante el Renacimiento, se enfatizó el papel del individuo en la sociedad y en el arte. Los retratos se volvieron populares como una forma de capturar la personalidad y la apariencia de personas específicas. Esto contribuyó al desarrollo de la psicología del retrato y la representación detallada de rasgos humanos.

4. Desarrollo de la Técnica Pictórica: Los artistas renacentistas perfeccionaron técnicas pictóricas como la pintura al óleo, que permitía una mayor riqueza de colores y una mayor durabilidad de las obras. También experimentaron con la aplicación de capas de pintura y la técnica del esfumado para crear transiciones suaves de luz y sombra.

5. Promoción del Arte como una Disciplina Académica: Durante el Renacimiento, se establecieron academias y escuelas de arte que promovieron el estudio sistemático de la teoría artística y la formación de artistas. Esto contribuyó a la profesionalización de la práctica artística y al intercambio de ideas entre artistas.

6. Expansión de los Temas y Géneros Artísticos: El Renacimiento no se limitó solo a la pintura y la escultura religiosa. Los artistas exploraron una amplia gama de temas, incluyendo la mitología, la historia antigua, la naturaleza, la ciencia y la representación de la vida cotidiana. Esto enriqueció la diversidad temática en el arte.

7. Innovación en la Arquitectura: El Renacimiento también influyó en la arquitectura, con la recuperación de principios arquitectónicos de la Antigüedad y la creación de edificios icónicos como la Catedral de Santa María del Fiore en Florencia y la Basílica de San Pedro en el Vaticano.

En resumen, el Renacimiento representó un cambio fundamental en la forma en que se concebía y practicaba el arte. Introdujo una serie de avances técnicos, conceptuales y estilísticos que no solo transformaron la estética del arte, sino que también influyeron en la cultura, la sociedad y la forma en que entendemos la creatividad y la expresión artística hasta el día de hoy. Por lo tanto, su importancia en la historia del arte es incuestionable

La Importancia del boceto para el dibujo

Un boceto es un ensayo práctico del dibujo o pintura que vayas a realizar.

Muchas personas buscan ayuda para mejorar sus dibujos, pero en estas personas el problema más común es que no utilizan boceto al iniciar un dibujo. Sino, que dibujan directamente con el pulso.

El boceto es algo fundamental para dibujar ya que esta es la base y la estructura sobre la cual construiremos nuestro dibujo.

Como empezar un boceto

Como empezar un boceto

Cuando realizas un dibujo no es necesario que todo valla quedando limpio y todo terminado, porque posiblemente te vas a equivocar muchas veces o tu dibujo puede tomar otro rumbo. Y es por esto que se recomienda crear muchas líneas suaves para luego obtener esa imagen que quieres.

Cuando realizas muchas líneas no tengas miedo a equivocarte, ya que precisamente de eso se trata el boceto, de tener la opción de corregir errores. Donde puedes trazar decenas de líneas hasta que encuentres el trazo que andas buscando, porque lo que buscamos es un buen resultado.

Ventajas

Ventajas

El boceto nos ayuda a distribuir nuestro espacio de dibujo. Esa es una de las grandes ventajas que tiene hacer uno o varios bocetos previos al trabajo final.

1. Creatividad mejorada: La pintura y el dibujo desde luego harían uso de la imaginación.

2. Memoria mejorada: Sin embargo, las ventajas para la salud de la pintura y el dibujo además los gozan quienes sufren patologías como el alzhéimer.

3. Capacidades de comunicación mejorada

4. Capacidades de resolución de Inconvenientes mejoradas

5. Correcciones y ajustes: Los bocetos proporcionan una oportunidad para identificar posibles errores o áreas problemáticas en la composición. Puedes hacer correcciones y ajustes antes de pasar al trabajo final, lo que te ahorra tiempo y recursos. Al detectar y solucionar problemas en los bocetos, puedes evitar cometerlos en el trabajo definitivo.

6. Emociones más positivas: Además, generar estas pinturas y dibujos desde luego reduciría los sentimientos negativas en un sujeto.

7. Experimentación y desarrollo de habilidades: Los bocetos son un espacio seguro para experimentar con diferentes técnicas, materiales y estilos sin el temor de arruinar una obra final. Puedes probar nuevas técnicas de dibujo, mezclas de colores y efectos sin preocuparte por los resultados. Esto te ayuda a desarrollar y perfeccionar tus habilidades artísticas, explorando diferentes enfoques creativos.

Impresionantes resultados en el boceto

Esta es una técnica muy sencilla de utilizar y muy útil para cualquier artista, no solo se utiliza en los dibujos, también se utiliza en las pinturas. El boceto no solo se utiliza para dibujar personas, lo puedes utilizar para cualquier objeto o figura que desees.

Aprende a dibujar caricaturas de manera fácil

¡Bienvenidos al apasionante mundo de las caricaturas! Si alguna vez has querido aprender a dibujar caricaturas y expresar tu creatividad de una manera divertida y única, has llegado al lugar adecuado. En este artículo, exploraremos los pasos básicos para crear tus propias caricaturas, desde capturar los rasgos distintivos hasta exagerarlos de manera ingeniosa.

Descubrirás cómo jugar con las proporciones y expresiones para transmitir personalidad y humor en tus dibujos. Además, te brindaremos consejos prácticos y técnicas para perfeccionar tus habilidades y desarrollar tu propio estilo caricaturesco. Así que prepárate para soltar tu imaginación, tomar lápiz y papel, y adentrarte en el maravilloso mundo de la caricatura.

Pasos a seguir para dibujar caricaturas

Dibujar caricaturas puede ser muy divertido y creativo. Aquí tienes algunos pasos básicos para comenzar:

Observa y estudia las características de la persona

Observa y estudia las características de la persona o personaje que quieres caricaturizar. Presta atención a los rasgos distintivos, como el tamaño de la nariz, los ojos, la forma de la cara, los labios, etc.

para dibujar caricaturas debes Comienza con trazos básicos y simples

Comienza con trazos básicos y simples. Esboza la forma general de la cabeza y luego añade los detalles faciales. No te preocupes demasiado por los detalles precisos en esta etapa inicial.

Exagera los rasgos distintivos de una persona para dibujar caricaturas

Exagera los rasgos distintivos. Una caricatura es una representación humorística, por lo que puedes hacer los rasgos más grandes, más pequeños o más exagerados de lo que son en realidad. Por ejemplo, si la persona tiene una nariz grande, puedes dibujarla aún más grande y curvada.

Juega con las proporciones

Juega con las proporciones. Las caricaturas a menudo tienen características faciales desproporcionadas. Puedes hacer los ojos más grandes, la boca más pequeña, la frente más alta, etc. Esto ayuda a resaltar los rasgos más destacados y a añadir un toque cómico.

Añade expresiones y gestos para dibujar caricaturas

Añade expresiones y gestos. Las expresiones faciales y los gestos pueden transmitir mucha personalidad en una caricatura. Prueba diferentes expresiones como una sonrisa exagerada, una ceja levantada, ojos entrecerrados, etc.

Utiliza el sombreado y los trazos para añadir volumen y textura

Utiliza el sombreado y los trazos para añadir volumen y textura. Puedes jugar con diferentes técnicas de sombreado para resaltar ciertas áreas y darle profundidad a tu dibujo.

Practica regularmente. La caricatura requiere práctica y paciencia para desarrollar tu propio estilo. Intenta dibujar diferentes personas y personajes para mejorar tus habilidades y encontrar tu propio enfoque creativo.

Recuerda que estos son solo pasos generales para dibujar caricaturas. La clave está en divertirte y experimentar con tu propio estilo. No tengas miedo de cometer errores y experimentar, ya que eso es parte del proceso de aprendizaje.

¡Buena suerte y diviértete dibujando caricaturas!

Software de gráficos vectoriales y para qué se utilizan

Los software de gráficos vectoriales son aplicaciones diseñadas para crear y editar imágenes vectoriales. A diferencia de los gráficos rasterizados (o de mapa de bits). Estos están compuestos por píxeles individuales. Los gráficos vectoriales utilizan fórmulas matemáticas para describir formas y líneas, lo que les permite ser escalados sin perder calidad.

Estos programas son ampliamente utilizados en diferentes industrias y disciplinas creativas. Como el diseño gráfico, la ilustración, la animación, la arquitectura, la ingeniería y la publicidad.

Ejemplos populares de software de gráficos vectoriales

Adobe Illustrator: Software de gráficos vectoriales

Adobe Illustrator: Software de gráficos vectoriales

Es una de las herramientas más conocidas y utilizadas en el campo del diseño gráfico y la ilustración. Permite crear ilustraciones, logotipos, tipografías y diseños complejos con gran precisión y flexibilidad.

Creación y edición de ilustraciones:

Los software de gráficos vectoriales son ideales para crear y editar ilustraciones. Permiten dibujar formas personalizadas, trazar líneas y curvas suaves, y aplicar efectos especiales. Esto los convierte en herramientas indispensables para artistas, ilustradores y diseñadores gráficos que desean crear obras de arte digital y gráficos complejos.

Diseño de logotipos y marcas:

Los programas de gráficos vectoriales tienen la capacidad para crear gráficos precisos y escalables. Se utilizan en el diseño para crear logotipos y marcas. Estos elementos deben ser adaptables a diferentes tamaños y medios, y los gráficos vectoriales permiten lograr esto sin perder calidad ni nitidez.

Diseño de tipografías:

Los diseñadores de tipografías utilizan software de gráficos vectoriales para crear y refinar los caracteres de las fuentes. Estas aplicaciones proporcionan herramientas precisas para diseñar cada letra, ajustar los espacios y las proporciones, y generar variantes de estilos y pesos.

CorelDRAW: Software de gráficos vectoriales

CorelDRAW: Software de gráficos vectoriales

Otro programa popular para el diseño gráfico y la ilustración vectorial. Ofrece una amplia gama de herramientas y funciones para la creación de gráficos vectoriales, diseño de páginas y edición de imágenes.

Diseño de interfaces y diseño web:

Los gráficos vectoriales también se utilizan en el diseño de interfaces de usuario (UI) y el diseño web. Estos programas permiten crear iconos, botones, elementos gráficos y otros componentes de interfaz que se pueden escalar y adaptar fácilmente a diferentes resoluciones y dispositivos.

Inkscape: Software de gráficos vectoriales

Inkscape

Es un software de código abierto. Lo puedes adquirir de manera gratuita, ofreciendote una amplia gama de herramientas para la creación y edición de gráficos vectoriales. Es una opción popular para aquellos que buscan una alternativa de bajo costo.

Affinity Designer: Software de gráficos vectoriales

Affinity Designer

Es una herramienta de diseño gráfico vectorial que se ha ganado popularidad en los últimos años. Ofrece una interfaz intuitiva y potentes herramientas para la creación de ilustraciones, diseño de interfaces y arte gráfico en general.

Diseño arquitectónico e ingeniería:

En el campo de la arquitectura y la ingeniería, los software de gráficos vectoriales son herramientas valiosas para crear planos, diagramas técnicos y representaciones visuales de proyectos.

Publicidad y marketing:

En la industria publicitaria y de marketing, los gráficos vectoriales se utilizan en la creación de carteles, folletos, anuncios impresos y digitales, pancartas, logotipos de empresas y otros materiales promocionales. La capacidad de escalar los gráficos sin pérdida de calidad permite utilizarlos en diferentes formatos y tamaños de impresión.

Estos programas permiten a los diseñadores y artistas crear gráficos precisos y escalables. Los cuales se pueden utilizar en una variedad de medios, como impresiones, sitios web, animaciones, aplicaciones móviles y más. Al trabajar con gráficos vectoriales, es posible editar formas, colores y tamaños de manera no destructiva. Y proporciona una mayor flexibilidad y facilita la adaptación de los diseños a diferentes necesidades y requerimientos.

6 técnicas para pintar retratos con acrílicos

¡Técnicas para pintar retratos con acrílicos de 6 maneras diferentes!

Estas técnicas van orientadas específicamente a retratos. En cada una de ellas vamos a ver los materiales que utilizamos, como aplicarlos, consejos prácticos y un ejemplo de un cuadro realizado con dicha técnica.

1. Veladuras: técnicas para pintar retratos con acrílicos

Veladuras: técnicas para pintar retratos con acrílicos

La veladura la podemos utilizar para dos cosas: una para darle fluidez y atmósfera a la imagen en donde vamos a trabajarla, sobre todo en el fondo y otra opción va a ser para poder colorear ciertas partes que nos han quedado un poco agrisadas.

Los materiales que utilizaremos específico serán un polímero acrílico o medio y agua. En primer lugar usaremos el polímero, de esta manera obtendremos una pintura más fluida y con una consistencia en el pigmento más uniforme.

Las veladuras son capas de color transparentes, por eso es recomendable que el color que usemos para realizarlas no contenga blanco, pues entonces quedará como una neblina. Podemos utilizar el agua de la misma manera que hemos usado el medio para esparcir la pintura, de esta forma podemos crear diferentes efectos y texturas.

2. Pincel seco: Técnica aplicada en retratos

Pincel seco: Técnica aplicada en retratos

Cuando usar el pincel seco en un retrato, Sobre todo lo vamos a usar para hacer texturas en las luces, este recurso se utiliza mucho para crear degradado y fundidos, sobre todo cuando se colocan colores claros sobre un fondo más oscuro.

Para realizar la técnica del pincel seco únicamente necesitaremos paletinas anchas. Se deben utilizar las pinturas sin agregarle agua, pero es conveniente utilizar una gran cantidad de pintura.

Se aplica apoyando la paletina y desplazándola suavemente sobre el lienzo sin apretar, la paletina debe estar inclinada para aprovechar todas las texturas de las capas inferiores.

3. Empastes: técnicas para pintar retratos con acrílicos

Empastes: técnicas para pintar retratos con acrílicos

Los empastes son una solución o un recurso final que podemos utilizar para darle fuerza a determinadas zonas en el cuadro. Aunque podemos realizar empastes únicamente con el acrílico, se recomienda utilizar un médium espesante, como puede ser el gel extra heavy para conseguir una consistencia en la pintura.

Si no la usamos y solo utilizamos en acrílico, éste al secar perderá el agua y con ello perderá el volumen deseado.

El acrílico y el espesante se podrá mezclar con espátulas, pero también se pueden utilizar pinceles.

4. Frottage para pintar retratos

Frottage para pintar retratos

El frottage lo vamos a utilizar sobre todo en zonas de la piel donde queramos que nos quede bastante degradado. Para el frottage podemos utilizar cualquier brocha de pelo duro, se recomienda utilizar una brocha solo para esta técnica, ya que estas suelen estropearse al utilizarla.

La consistencia de la pintura debe ser media, no muy seca ni muy húmeda. Hay dos formas de realizar frottage:

La primera sería utilizar muy poca cantidad de pintura y arrastrar suavemente para realizar degradados. Es muy útil cuando queremos realizar degradados con una capa previa que ya está seca. La segunda forma de frottage es realmente realizar un frotado con intensidad con nuestro pincel, es esta manera obtendremos también degradados un poco más expresivos.

5. Degradados para pintar retratos

Degradados para pintar retratos

Si estamos realizando un retrato lo mas probable es que queramos realizar degradados. Para ello podemos utilizar agua, degradado con retardador o degradado mediante frottage o pincel seco.

Utilizaremos agua, retardador y pincel.

Utilizando agua: se aplica el color con bastante agua de manera que no se seque rápido y nos permita realizar el degradado. Los desgradados realizados con agua dan una apariencia final de veladura.

Usando retardador: No es necesario utilizar una gran cantidad de éste, simplemente añadiremos una gotita a la mezcla que estemos utilizando, aunque el uso del retardador hará que trabajes con más tranquilidad tus degradados, no es mala idea realizar previamente las mezclas que quieras luego utilizar en el degradado. El retardador es indispensable a la hora de realizar retratos realistas con acrílico.

Utilizando pincel: El uso del frottage en los degradados nos vendrá muy bien cuando queramos degradar una capa con otra previa que ya esté seca. Para que el degradado con frottage quede bien es importante que la presión de tu brazo sea constante y muy suave en el lienzo.

6. Recortes aplicado en rostros

Recortes aplicado en rostros

El uso de recortes con espátula o cinta de carrocero lo vamos a utilizar cuando tenemos elementos geométricos en nuestra pintura y para darle dinamismo a tu obra. Para hacer recortes podemos utilizar cualquier material que nos sirva como plantilla. Con la cinta de carrocero podemos crear tipos de líneas rectas en nuestros cuadros. Su uso es muy sencillo, pero asegúrate de que la pintura no esté demasiada húmeda cuando lo apliques, pues podrás

El Claroscuro en Artes Visuales: Juego de Luces y Sombras que Despierta Emociones

El claroscuro, una técnica pictórica que juega con las luces y sombras para modelar formas y crear profundidad, ha sido una herramienta distintiva en las artes visuales a lo largo de la historia. Desde sus primeros usos en la pintura renacentista hasta su presencia en el arte contemporáneo, el claroscuro ha demostrado ser más que una simple técnica; es un medio expresivo que da vida a las obras de arte, infunde dramatismo y despierta emociones en los espectadores.

El Claroscuro

Orígenes y Desarrollo del claroscuro en el Renacimiento Italiano

El término «claroscuro» tiene sus raíces en el italiano, que significa «claro oscuro». Su uso se popularizó durante el Renacimiento italiano, donde artistas como Leonardo da Vinci, Caravaggio y Rembrandt exploraron la técnica para dar vida a sus obras. El claroscuro permitía a los artistas modelar figuras tridimensionales, destacar elementos importantes y crear una atmósfera que cautivaba la atención del espectador.

La Magia de las Sombras: Modelado y Profundidad

Una de las características más distintivas del claroscuro es su capacidad para modelar formas y crear la ilusión de profundidad en una superficie bidimensional. Al manipular las luces y sombras de manera hábil, los artistas pueden hacer que un objeto aparezca tridimensional, revelando su volumen y textura. Esta capacidad para dar vida a las formas ha convertido al claroscuro en una herramienta esencial para retratos, escenas históricas y composiciones realistas.

Dramatismo y Narrativa Visual: Caravaggio y su Influencia

Caravaggio, un maestro del claroscuro, llevó esta técnica a nuevos niveles de dramatismo y expresión. Sus obras, como «Judith decapitando a Holofernes», destacan por su uso audaz de luces intensas y sombras profundas. Esta estética teatral y emocional influyó en generaciones posteriores de artistas, impactando no solo la técnica, sino también la forma en que se abordaba la narrativa visual en el arte.

Claroscuro en el Barroco y Rococó: Juegos de Luz en la Época de Oro

Durante el periodo barroco y rococó, el claroscuro continuó siendo una técnica central. Artistas como Velázquez y Murillo en España, así como Watteau y Fragonard en Francia, utilizaron esta técnica para crear atmósferas evocadoras y resaltar la belleza de sus composiciones. La interacción de luces y sombras se convirtió en un elemento fundamental de la estética barroca, aportando teatralidad y emoción a las pinturas de la época.

El Claroscuro en el Romanticismo y Realismo: Emoción y Veracidad

En el Romanticismo y el Realismo, esta técnica se adaptó para expresar las emociones humanas de manera más directa. Goya, en sus pinturas negras, empleó el claroscuro para crear visiones impactantes y sombrías de la realidad. Por otro lado, artistas realistas como Courbet utilizaron luces y sombras para capturar la verdad de la vida cotidiana, resaltando detalles y expresiones con un realismo meticuloso.

Claroscuro en la Fotografía y Cinematografía: Herencia Visual en Movimiento

Con la invención de la fotografía y, más tarde, la cinematografía, esta técnica se trasladó a nuevas formas de expresión visual. Fotógrafos como Ansel Adams utilizaron la técnica para crear paisajes evocadores y retratos intensos. En el cine, directores como Alfred Hitchcock exploraron el poder del claroscuro para generar suspense y enfatizar momentos clave en la narrativa.

El Claroscuro en el Arte Contemporáneo: Innovación y Experimentación

Aunque el claroscuro tuvo su apogeo en épocas pasadas, sigue siendo relevante en el arte contemporáneo. Artistas contemporáneos, como Gerhard Richter o Chuck Close, han explorado y reinterpretado el claroscuro en el contexto de nuevas formas de expresión y tecnologías. La técnica ha evolucionado para adaptarse a las tendencias y estilos contemporáneos, manteniendo su poderosa capacidad para influir en la percepción y las emociones del espectador.

La Luz y la Sombra como Narradores Silenciosos

En última instancia, el claroscuro es más que una técnica pictórica; es un lenguaje visual que habla a través de luces y sombras, narrando historias, evocando emociones y creando atmósferas cautivadoras. Desde sus inicios en el Renacimiento hasta su presencia en la actualidad, el claroscuro ha demostrado ser una herramienta expresiva universal que trasciende épocas y estilos artísticos, manteniendo su capacidad atemporal para cautivar la imaginación y despertar emociones en aquellos que lo contemplan.

Aprende estos 4 Puntos claves para empezar a modelar esculturas

4 puntos claves para empezar a modelar esculturas

Se trata de cuatro mecanismos que se utilizan para empezar a modelar esculturas y te enseñaremos como las puedes aplicar en tus proyectos.

1. Decidir lo que se va a modelar

Decidir lo que se va a modelar

Esto suele pasarle a muchas personas cuando van a empezar a modelar esculturas que quieren modelar muchas cosas al mismo tiempo, como se tiene muchas ideas en la cabeza puede que termines sin hacer ninguna, esto también puede suceder en otras áreas como la pintura y el dibujo. Es importante tomar una decisión de la figura a modelar y luego a partir de elegir lo que se va a modelar entonces eliges lo que vas a necesitar para modelar el busto.

2. Buscar referencias antes de empezar a modelar esculturas

Buscar referencias antes de empezar a modelar esculturas

Puedes escoger desde esculturas que hayan hecho de tu modelado (en caso de que lo haya) hasta imágenes. Estas imágenes que tomes de referencias deben tener todo tipo de ángulos, ya que esta será nuestro guía a seguir y nuestro modelado en cierto modo también dependerá de esto. Las referencias más necesarias son: referencia frontal, del perfil, de espalda y de tres cuarto (3/4).

La imagen te le va a dar la vida a la escultura es el perfil, donde el perfil es lo mas característico, esto es lo que te va a llevar más al sitio la figura y a que el personaje se parezca. Normalmente los frontales son muy planos y muy rectos, pero los perfiles dicen mucho de las características y del carácter de ese personaje.

3. El espacio donde se va a modelar la escultura

El espacio donde se va a modelar la escultura

Debe de crearse un espacio donde usted se sienta a gusto, donde puedas estar tranquilo y tomar distancia de la figura porque vas a tener que verla desde varias perspectivas. Debes de tener mucho espacio por delante, por detrás y por los lados, además de esto debes tener un soporte de tu escultura adecuado a tu altura para que puedas trabajar cómodamente.

4. La iluminación que debes tener al modelar esculturas

La iluminación que debes tener al modelar esculturas

Debes de tener iluminada la zona donde estás trabajando. Se recomienda un lugar cerrado sin luz solar para tener el poder de dominar la iluminación, porque así no depende de que mientras transcurren las horas del día empieza a cambiar la luz.

Si cierras un espacio donde no entre luz, ya eres el dueño de ese espacio, de la luz que va a entrar y puedes crear tu propia iluminación y puedes modelar hasta en las noches sin que la posición de la luz valle a cambiar

Que es la paleta de Zorn y cuales colores utilizaba

La paleta de Zorn es una paleta creada específicamente para crear colores pieles. Anders Zorn, fue un pintor sueco de finales del siglo XIX (creador de la paleta de colores que lleva su nombre).

Colores de la paleta de Zorn

Colores de la paleta de Zorn

Se trata de una paleta reducida, la cual se compone de dos colores, el ocre y el bermellón o el rojo cadmio. En cuanto a si utilizaba bermellón o rojo cadmio no está del todo claro. Unos dicen que utilizaba rojo de cadmio, otros dicen que utilizaba bermellón. Lo más probable es que utilizara bermellón, ya que el rojo cadmio que utilizamos hoy en día se empezó a comercializar en 1910.

Paleta de Zorn

Paleta de Zorn

A parte del ocre y el rojo cadmio o bermellón, también se utilizaban los colores blanco y negro. Lo bueno de esta paleta que utilizaba Zorn es que aunque sea muy reducida funciona muy bien para hacer los colores piel. Ya que si nos fijamos en la piel podemos encontrar tonos más amarillentos, tonos más rojizos, incluso en algunas zonas donde están las venas podemos ver algunos tonos verdosos. Y todos estos colores los podemos obtener con la paleta de Zorn. Por otro lado, si se fijan, esta paleta también se puede utilizar como una paleta de colores primarios. Donde el ocre ocuparía el color amarillo, el rojo ocuparía el lugar del magenta y el color azul lo ocuparía el color negro.

¿Por qué utilizaba negro y no azul?

El hecho de no utilizar el color azul era básicamente porque el pigmento azul era un color muy caro en su época. De hecho, no solo Zorn, sino que también los artistas contemporáneos a Zorn intentaban utilizar la mínima cantidad de azul en sus obras. Hoy en día si vas a comprar un color azul cobalto podrás ver que aún sigue siendo un color bastante caro. Así que como alternativa al color azul utilizaban el color negro marfil.

Contraste simultáneo

Como ya hemos mencionado el color azul no se puede obtener a través de mezclas, así que para hacer el color azul con esta paleta en realidad existen formas de hacerlo. Hay que recurrir al contraste simultáneo.

A continuación un ejemplo práctico:

Mezclar un poco de negro y blanco para crear un gris, luego crear una mancha en un lienzo blanco (ver imágenes).

mezcla de blanco y negro

Mezclar el ocre y el rojo cadmio para crear un color naranja, el naranja es el color opuesto del azul. La mancha que creamos con el color gris, la vamos a cubrir todo al rededor con color naranja, y esto le dará un efecto al color gris haciéndolo parecer un color azul (ver las imágenes).

Mezclar el ocre y el rojo cadmio

La otra razón por la cual utilizaba el negro marfil, es que también con este color se puede obtener una gama de verdes, si lo combinamos con el color ocre amarillo.

Ejemplo:

Colocamos un poco de ocre en la paleta y luego le agregamos una pequeña cantidad de negro y mezclaros. El resultado será un color verde oscuro (Ver imágenes).

blanco, negro y ocre

Si vas añadiendo blanco a la mezclas, podrás obtener una gama de verdes.

¿Cómo funciona la paleta de Zorn para crear los colores piel?

Lo primero que debemos hacer es colocar el lugar a cada color. Como pueden ver en las imágenes, se coloca el negro en la parte inferior izquierda, luego en la parte superior izquierda se coloca el blanco, en la parte de arriba de la paleta (en el centro de la parte superior) se coloca el color ocre y en la parte superior derecha se coloca el color rojo cadmio.

creando colores piel con paleta de Zorn

Se procede a mezclar el color ocre con el color rojo cadmio, creando de esta manera un naranja opaco, luego se hace una mezcla más rojiza y otra más amarillenta. En esta gama utilizaremos las tres mezclas que creamos más el rojo y el amarillo (ver imágenes).

colores piel

Y para obtener los colores acromáticos, vamos a mezclar un poco de negro con un poco de blanco, creando un gris. Al igual que hicimos antes con el rojo y el amarillo, vamos a crear un gris más oscuro y otro más claro. Esta sería nuestra gama de colores acromáticos agregando el blanco y el negro a nuestros grises (ver imágenes).